Yahoo奇摩新聞 電遊音樂：比電影音樂更迷人的獨特魅力
玩電子遊戲時，我們常會隨著它的旋律起舞：朗朗上口或縈繞心頭的旋律；刺激我們加快速度的音頻節奏；充滿勝利喜悅的樂曲配合著我們的順利通關。當我們在遊戲以外聽到這種音樂，也會覺得非常動人。第一次聽倫敦電子遊戲管弦樂團（London Video Game Orchestra，LVGO）演奏會時，我發現自己陶醉在《街頭霸王II》的音樂中為我最喜歡的遊戲人物歡呼；那是日本電子遊戲作曲人下村陽子（Yoko Shimomura）20世紀90年代的原聲配樂，由倫敦音樂人馬克·蔡（Mark Choi）編曲。我還加入了一場超現實的大合唱，樂團指揮詹姆斯·科爾勒（James Keirle）帶領觀眾演奏了一段經典的世嘉遊戲開機曲；這感覺就像一首五秒鐘的讚美詩，懷舊且妙不可言的狂喜。
「老實說，街霸II是我最愉快的演出體驗，」受過古典訓練的音樂家、作曲家和終身電競玩家馬克·蔡熱情地說。「每個主題曲都很短，但卻非常令人難忘，並且與角色以及戰鬥場景水乳交融。當主題曲如此激蕩我們的心靈，每次聽到時，都會被感動。」
馬克·蔡補充道，雖然電遊和電影配樂之間存在許多相似之處（如開場音樂、反復出現的主角和過場敘述），但遊戲更有非線性和參與性的特點，這意味著遊戲音樂更能夠引起我們強烈的共鳴：「電子遊戲的動人之處在於你能夠成為故事的主角；雖然故事本身可能是預先設定好的，但你可以控制故事如何以及何時展開，」他說，「你被賦予了親身體驗、直接互動的能力，也正是這種力量，讓電子遊戲脫穎而出，並繼續激勵著包括我在內的藝術家。」
電子遊戲音樂確實能激發我們的情感。它的日益成熟激發了越來越多的學術研究（甚至產生了名為遊戲音樂學「ludomusicology」的領域）；肖恩·澤德爾（Sean M Zehnder）和斯考特·利普斯考（Scott D Lipscomb）在2006年的文章《遊戲中的音樂》（The Role of Music in Videogames）中提到了遊戲原聲配樂的多種功能；它們「增強沉浸感，提示敘述或情節變化，充當情感符號，增強美學連續性，培養電子遊戲的主題統一性。」
卡倫·柯林斯（Karen Collins）是加拿大滑鐵盧大學（University of Waterloo）的副教授，她在專著《遊戲之聲》（Game Sound）中探討了電子遊戲音樂的歷史、理論和實踐。正如柯林斯所觀察到的，玩家並不是被動的傾聽者，而是能夠主動觸發遊戲中的音樂，並下意識地對其做出反應。
她寫道：「當玩家的角色處於嚴重危險中，情緒誘導和生理反應通常是最明顯的體驗，就像在混亂而快速的打怪音樂，聲音能夠影響乃至操縱玩家情緒，引導他們對遊戲的反應。」她還指出，沉默也具有強大的效果，無論是增強緊張感，還是當玩家處於不活躍狀態時，它會促使我們堅持完成任務以便遊戲繼續。
無論是在國際工作室還是對聽眾而言，電子遊戲音樂都是一種跨國的文化表達。今年早些時候，波蘭的遊戲音樂節（Game Music Festival）在倫敦舉辦了一場音樂會，其中一支波蘭樂隊表演了由加拿大藝術家克里斯托弗·麥迪根（Kristoffer Madigan）創作的備受喜愛的冒險遊戲《茶杯頭》（Cuphead）中喧鬧的爵士和拉丁風格的音樂。音樂會的壓軸曲目，是定居於洛杉磯的英國作曲家格萊斯·科克（Gareth Coker）為《奧里和黑暗森林》（Ori and The Blind Forest）和《奧里與螢火意志》（Ori and The Will of The Wisps）這兩款遊戲所創作的迷人（且非常優美）的獲獎配樂。
科克曾在英國皇家音樂學院（Royal Academy of Music）學習作曲，後來定居日本。他的創作涉獵很廣，有電影和電視配樂，但他對電子遊戲尤為熱愛。他解釋說，「在我成長的過程中，和父母一起玩電子遊戲是我最美好的回憶。和家人的那些共同回憶，我希望能夠傳達給其他人。」
科克花了數年時間與團隊共同創作《奧里》遊戲音樂，譜出與遊戲玩家角色（孩童般的森林精靈）以及超自然環境相適應的音樂。「當我在製作遊戲音樂時，我對視覺效果的有非常強烈的感應；然後我可以真正沉浸在其中，為這個虛擬世界譜出音樂。《奧里》的視覺效果激發我用音樂再造遊戲的靈境，我們希望玩家能夠在音樂中想象力蓬發。」
「當你在玩遊戲時，你是一個積極的玩家，你的大腦必須處理很多事情。但編寫遊戲音樂的方式大不相同，優秀遊戲音樂絶不能把所有元素都堆在一起，除非你已經為了那個時刻完全做好了凖備。當你在奧里的環境中移動時，音樂不會一直變化，因為這對大腦來說挑戰太大了。每一段音樂的植入都是有考慮的。《奧里》中有一段旋律，非常含蓄和溫柔，直到情景變化後這段音樂也必須隨之變化。」
這種細緻的音樂植入能夠對玩家產生強大的情感衝擊，任何接觸過奧里遊戲和音樂的人都感同身受；音樂還激發出許多在線的「玩家反應」（在結尾時許多玩家流淚）。科克笑道，「我非常幸運，因為現在有像Twitch和YouTube這樣的網站，我能夠看到玩家對我音樂作品的反應，就像了解自己的反應一樣。這有點上癮，你會有實時的本能反應。」
情緒波動
科克的各種不同配樂似乎能喚起各種情感，無論是《我的世界》神話系列（Minecraft Mythology）的音樂（就像一個自動點唱機，將玩家帶到特定時間和地點，給大腦構建想象的空間），或者他對角色扮演電遊巨作《光環：無限》（Halo Infinite）的貢獻。
「雖然《光環》是一款動作遊戲，但並不是數小時持續緊張；它非常精確且有節制，比如主角士官長；在戰場上沒有什麼能嚇倒他，」科克說。「戰鬥音樂的設計目的是讓你覺得自己真的是一個非常強大的士兵；《光環》的節奏非常鮮明，讓你在轉換環境時感到自信。在遊戲的最後一個關卡，我基本上可以自由地做自己想做的事情。我們最終使用了保加利亞唱詩班和大量的合成器，強化處理了傳統的民間音樂，讓它聽起來超凡脫俗；它為一個新潮流——一種獨特的聲音代表著永無止息。」
科克希望更多的古典音樂會出現在長篇電遊中，成功吸引玩家和非遊戲玩家的注意。他說；「如果你做對了，你會讓觀眾印象深刻。我們希望音樂讓玩家陷入特定時間和地點，如果你每隔五分鐘就鼓掌一次，就無法做到這一點，因為沉浸式體驗被打破了。」
每一款備受期待的電子遊戲都有自己的音響世界；最近的武士冒險主題遊戲《黃泉之路》（Trek To Yomi）凸顯單色的視覺效果，並於科迪·馬修·約翰遜（Cody Matthew Johnson）氛圍濃厚的配樂和本田洋子（Yoko Honda）的插畫。即將推出的新《茶杯頭》遊戲《美味的最後一道菜》（The Delicious Last Course）將會有麥迪根新創作的音樂。麥迪幹告訴BBC文化，「雖然新音樂保留了原版《茶杯頭》中令人興奮的、快節奏的大樂隊風格元素，但我們在墨池島（Inkwell Isles, 茶杯頭遊戲裏的虛擬場景）的場景中嘗試了許多新類型的配樂……我最大的靈感來自於馬克斯·斯坦納（Max Steiner）和埃里克·科恩戈爾德（Erich Korngold），以及迪士尼的利·哈林（Leigh Harline）和弗蘭克·丘吉爾（Frank Churchill）的早期電影配樂。」
今夏，電子遊戲音樂也將首次出現在BBC夏季逍遙音樂會上（BBC Proms）。8月1日，電遊音樂創作團體「從8位到無限」（From 8-Bit to Infinity）將以管弦樂和電子音樂為主題進行表演，包括下村陽子的經典作品《王國之心》（Kingdom Hearts）和歐洲首演的希爾杜爾·古納多蒂（Hildur Guonadottir）和山姆·斯萊特（Sam Slater）的《戰地風雲2042》第14組曲（Battlefield 2042 - suite 14.）。
正如指揮/編曲者羅伯特·艾米斯（Robert Ames）所說，「電子遊戲音樂從一開始就處於前沿。與我們現在的技術相比，早期遊戲主機是非常簡陋的，而作曲家也真正推動了它們的發展。我認為電子遊戲創作的重要部分仍是這種精神。」
與此同時，倫敦電子遊戲管弦樂團的下一場演奏會將演奏馬克·蔡改編的《街頭霸王II》組曲，並邀請社區合唱團Ready Singer One加入，以增加音樂的豐富程度。樂團創始人伊麗莎白·斯威德隆（Elisabeth Swedlund）認為：「在某種程度上，我們都是沉迷於遊戲的玩家，所以Ready Singer One是穩妥的合作伙伴，能夠讓我們發揮創造力，一起探索我們最愛的宇宙。表演這麼多不同角色，每次都是沉浸式的體驗。因為角色比流行曲目多樣化得多——我們是海盜、水手，甚至人工智能！加入合唱團的體驗會更豐富。」
表演曲目包括遊戲《超級馬里歐奧德賽》（Super Mario Odyssey）中，由久保直人（Naoto Kubo）在2017創作的充滿爵士樂風格的配樂《跳起來！超級明星》（Jump Up Super Star）。斯威德隆說：「這首曲子的歌詞和音樂中都有各種各樣的『彩蛋』。有一個時刻，我們會唱一聲驚嘆『哇哦！』，感覺就像超級馬里歐在蹦蹦跳跳！」電子遊戲音樂提供了無限的表演體驗：那種超越和顛覆的感覺，在遊戲結束後仍繞樑三日，不絶於耳。
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