Yahoo奇摩新聞 音樂會的5W1H（1）｜如何聽一場音樂會
WHAT
什麼是音樂會？
音樂會，就是演奏家直接面對觀眾的現場音樂演出。在錄音技術尚未成形的時代，人們不像現在能隨時收聽音樂，想聽音樂的話，往往就是兩種選擇：一、自己演奏給自己聽，二、請別人演奏給自己聽。而在當時，請歌唱家、器樂演奏家或樂團為自己演奏，往往是皇宮貴族才能擁有的享受。
目前為止，最早被公認的「正式」收費系列音樂會大約出現在17世紀晚期，由一位英國小提琴家約翰．班尼斯特（John Banister）所發明，並且使用「concert」一詞來代表這種任何人能夠買票入場的公開現場音樂演出。班尼斯特原本是一位宮廷音樂家，在失寵於英皇查理二世後，他在1672年12月30日的《倫敦憲報》（London Gazatte）上刊出以下廣告：
「在此敬請通知，在倫敦White Friars喬治酒館對面的約翰．班尼斯特先生家（現為音樂學校）中，將在接下來的這周一，有傑出的大師帶來一場精采的音樂演出。演出將於下午4點準時開始。並且自此之後，每日下午的同一時間，都將準時開始高水準的音樂演出。」
▲17世紀晚期英國小提琴家約翰．班尼斯特所發明的現場音樂演出，是最早被公認的正式收費系列音樂會
諾斯先生在《音樂回憶錄》（Memoirs of Music）中，對班尼斯特的音樂會給予了一段論述：「班尼斯特在White Friars買了一個大房間，為音樂家架起了升高的箱子或走廊，以及布簾，其他地方佈置了座位及小桌子，像個啤酒屋的風格。
入場費為每人1先令，讓觀眾們有權要求他們希望演奏的音樂。演出真的非常棒，班尼斯特有能力在倫敦網羅到最好的演奏家，以及可以幫助他發聲的管道。」根據那段時期《倫敦憲報》的記載，這樣的音樂會演出直到班尼斯特去世後仍維持了一小段時間。
後來，音樂會逐漸在特定場館舉行，並隨著中產階級的興起與壯大更加興盛。直到18世紀晚期，海頓與莫札特的音樂作品開始經常在音樂會中發表，成為當個時代的音樂樣貌集合地。
▲李斯特為第一位舉開「獨奏會」（Recital）的音樂家，當時代多於私人家中舉辦沙龍音樂會
▲於維也納所舉開的沙龍音樂會「舒伯特之夜」
什麼是音樂會？在音樂會中聽什麼？
現行的純音樂會常見演出形式，有四種類型：
（一）獨奏會：由一位獨奏家演奏（或一位獨唱家，則稱為獨唱會），通常輔以鋼琴重奏或伴奏演出。
（二）室內樂：相對於大型交響樂團來說，可以在一個皇宮隔間或大房間內演出的小型演出樂團。通常是兩人以上的合奏，一個聲部由一位演奏家負責。最常見的有弦樂四重奏、鋼琴三重奏、鋼琴五重奏等編制。
（三）管弦樂團：為最龐大、最複雜的音樂演出，由70位至上百位演奏家組成，一般稱為交響樂團（Symphony）或愛樂樂團（Philharmonic Orchestra）。
（四）合唱：由人聲集體演唱多聲部聲樂作品的演出，根據聲區一般分為四種聲部：女高音、女中低音、男高音、男中低音。常設有指揮，並依照作品要求配以器樂伴奏。常見的有混聲四部合唱團、重唱團與阿卡貝拉等。
WHERE
哪裡可以聽音樂會？
能欣賞音樂會的地方小至私人家中所準備的音樂沙龍，大至各式音樂廳場館、露天公園、圓形劇場或大型體育館等。若適逢暑假的音樂節期間，各式的音樂會或許就在街頭的某個轉角處。
2007年，柏林的一間夜店以休息室般的放鬆氣氛，開啟了「Yellow Lounge」的概念，將古典音樂與都會夜生活結合，讓聽眾以最舒服的姿勢欣賞國際音樂名家的演出，大受雅痞歡迎。現在演出場地延伸至巴黎、倫敦、紐約、雪梨等世界各地俱樂部，也為當代年輕古典音樂迷們最具話題性的新興聆樂場所。
不過，若想原汁原味地開啟一場經典的音樂會體驗，建議還是可以從音樂廳開始。國際上音樂廳指標性的兩種設計，有傳承歐洲數百年經典的長方形鞋盒式音樂廳，如維也納愛樂金色大廳（Vienna Musikverein）、荷蘭阿姆斯特丹音樂廳（Amsterdam Concertgebouw）及柏林音樂廳（Berlin Konzerthaus）及台北國家音樂廳；也有20世紀當代葡萄園式音樂廳，觀眾席如葡萄園般圍繞舞台，如柏林愛樂音樂廳（Berlin Philharmonie）、赫爾辛基音樂廳（Helsinki Music Centre）、科隆愛樂音樂廳（Cologne Philharmonie）及高雄衛武營國家文化藝術中心音樂廳。
▲柏林愛樂廳為20世紀當代葡萄園式音樂廳，觀眾席如葡萄園般圍繞舞台
哪裡可以買到票？ 想買當日票的人，可以直接殺到音樂廳票口碰碰運氣，不過大多數非常搶手的演出是不會有當日票的。保險起見，建議還是先到各大廳院或樂團的官網查詢演出資訊，利用線上售票系統購買，並保留購買憑證。
在臺灣，主要的古典音樂會售票系統有兩廳院售票系統、年代售票等。
WHO
台上黑壓壓的這麼多人，到底誰是誰呢？
在音樂會初心者的眼中，排場最大的莫屬令人眼花撩亂的大陣仗管弦樂團。舞台上排滿70人以上，坐得這麼密集，大家不會被旁邊的人戳到或打到嗎？
首先，音樂家們可不是隨便亂坐的。完整的管弦樂團包含四個聲部：弦樂、木管、銅管及打擊，同類的樂器家族坐在一起。再來，按照各聲部樂器的聲學特性及聲學效果（如：銅管與打擊樂器比起弦樂和木管樂器，具有更高的穿透力，能夠將聲音投射地更遠，因此弦樂和木管被置放於銅管樂器的前方），慢慢實驗聲響效果、並調整佈局。
現行的管弦樂團規模大約在17世紀後，由義大利出身、法國發光的法國巴洛克音樂大師盧利（Jean-Baptiste Lully，1632～1687年）所主導的路易十四宮廷樂團開始雛形。
到了18世紀，交響曲之父海頓組織了自己的40人管弦樂團，將第一小提琴與第二小提琴相對而坐，讓他們對唱（antiphony）的旋律可以從舞台兩側被聽見—— 這種作曲家們為兩個提琴聲部寫作交換答唱旋律的對話式寫作風格，稱為「18世紀立體聲效果」（18th-century stereo effect，我們可以從貝多芬的第七交響曲中，明顯地看出他對於兩側小提琴交換旋律的想像）。19世紀前，儘管管弦樂團中其它聲部的座位仍有諸多改動，但弦樂聲部都仍維持這樣的座位安排，直到「指揮」這個新角色的出現。
費城交響樂團的音樂總監史托考夫斯基（Leopold Stokowski）最著名的貢獻之一，就是他對於管弦樂團座位的實驗：他用所有能想到的方式排列管弦樂團的坐法。據說，有一次他將木管及銅管擺在弦樂的前面，此舉令費城的音樂家們一陣譁然。
不過直到在1920年代，他做了一個改變，至此停住了往後的實驗——他將一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴及低音大提琴，至左而右，自高而低，依扇形狀排列，並解釋道：「將小提琴們放在一起能幫助兩聲部間有更好的彼此傾聽。」這個「坐法」被稱為「史托考夫斯基移位」（Stokowski Shift），後來風行全美。也因為BBC逍遙音樂節創辦人亨利．伍德（Henry Wood）的響應，英國樂團也全面採用。儘管這麼「坐」，犧牲了兩聲部小提琴對唱的立體聲效果。
但也有越來越多作曲家開始為這樣的座位設置發揮創作，像是蕭斯塔科維契在第五號交響曲中，將第一及第二小提琴分為3個聲部，使得小提琴們必須坐在同一個區域才能起得了作用。
直至今日，管弦樂團的座位依然保有其彈性，有些指揮仍會依照作品展現的需求、或樂團的傳統及演出型態，在座位配置上伴隨調整，讓聽眾們能擁有截然不同的聽覺饗宴。以下就為您介紹這麼一大群音樂家們是誰？在台上做什麼吧！
指揮：管弦樂團的靈魂人物。拿著指揮棒（或不拿指揮棒）以全身上下的肢體語言給予全樂團關鍵的音樂指示（包含音樂的發展、樂器的進場時間，及速度、音量與節奏的變化），是唯一演出時從頭到尾背對聽眾的「無聲」演出者。
樂團首席：樂團代表，通常由第一小提琴首席擔任。首席的責任除了統一演奏弓法、音色及換氣方式之外，最重要的任務之一，就是幫助指揮提示樂團。其它聲部也都設有首席，是該聲部中能力最好的演奏家，通常都坐在聲部中離指揮最近的位子。首席可以迅速用琴聲回應指揮細微的指示，並肩負著帶領所屬聲部呈現與樂團融合的聲音之任務。
弦樂聲部：佔據整個樂團約60%以上的人數。有第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴及低音大提琴（站著、或輔以高腳椅演奏），共5個聲部。若樂曲編制中有豎琴或鋼琴，也會將他們安排在第一小提琴後方的位置。
木管聲部：主要有長笛、單簧管、雙簧管、低音管等具有高度旋律表現力的樂器，約佔整個樂團15%的人數。有時候長笛會兼任短笛聲部，雙簧管會兼任英國管，低音管兼任倍低音管的演奏。通常可用長笛演奏家之人數來判斷樂團的規模：小型樂團（一管編制）、中型樂團（二管編制）、大型樂團（三管編制），但也並非絕對，作曲家仍可依照自己的需要，自由調整樂團的編制需求。
銅管聲部：小號、長號、法國號、低音號等聲音響亮，演出效果十足之樂器，約佔整個樂團15%的人數。有時候一個低音號樂手可能等了100多個小節都不一定會吹1個音，但台上這些專業的銅管樂手卻是時刻精準地在算著小節數，對音樂的行進保持警覺，醞釀下一段吹奏的情緒，非常不容易。
打擊聲部：所有以敲打、搖、刮、擦等方式產生效果的樂器族群，多數時候只佔整個樂團不到10%的人數。除了正對指揮家的定音鼓席，通常由固定一位音樂家負責演奏，其他有音高樂器如木琴、馬林巴琴、鐵琴、鋼片琴、鐘琴，及無音高節奏樂器如小鼓、大鼓、鈸、響板、三角鐵等則視曲目需要安排樂手數量。
延伸閱讀：音樂會的5W1H（2）｜如何聽一場音樂會
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