王嘉明與林芳宜的全新演繹 雷哈爾輕歌劇 《微笑之國》的華麗變身 | BAZAAR

PHOTO CREDIT: 導演王嘉明、作曲家林芳宜，攝影︱詹朝智

不管是以貝多芬晚期鋼琴協奏曲編舞，或是執導威爾第歌劇《奧泰羅》，臺灣知名劇場導演王嘉明，受臺中國家歌劇院邀請，和作曲家林芳宜一起翻轉奧地利作曲家雷哈爾的經典輕歌劇《微笑之國》。在全新改編中，王嘉明將宮廷場景轉化成酒吧，林芳宜則對音樂重新編曲，加入搖滾和龐克元素，為觀眾帶來視覺與聽覺的嶄新體驗。

雷哈爾被譽為20世紀具影響力的輕歌劇作曲家，他的音樂風格輕快，帶有舞蹈特質，旋律也具創造力，從代表作之一《風流寡婦》可聽出他的特色。然而，第一次世界大戰後，隨著新音樂風格崛起，加上美國流行音樂的大量傳播，他的作品相形之下顯得過時。

PHOTO CREDIT: 《微笑之國》劇中角色，不再只是為愛情掙扎的女性，而是在多元文化衝突中努力尋找自我的人，讓故事更加現代化。攝影｜康志豪

為此，努力尋求突破的雷哈爾，開始和男高音理查・陶伯（Richard Tauber）合作。陶伯的演唱和詮釋為雷哈爾的作品帶來全新生命力，包括《沙皇之子》（Der Zarewitsch）和《微笑之國》（Das Land des Lächelns），讓雷哈爾迎來音樂人生的另一高峰。《微笑之國》裡經典的詠嘆調〈我整顆心都屬於你〉（Dein ist mein ganzes Herz），均成為現在男高音的必備經典曲目。

《微笑之國》充滿了異國情調和文化衝突，描述奧地利貴族麗莎與中國王子蘇城，兩人在舞會上一見鍾情，當兩人想結為連理一同到中國生活時，才發現文化差異帶來的鴻溝。蘇城必須遵從傳統婚姻模式以多妻繁衍子嗣，麗莎則無法接受這種多妻制的觀念價值，兩人矛盾逐漸加深，最終分道揚鑣。如此以悲劇收尾的做法，在輕歌劇裡也較少見。

酒吧遇上修行道場 《微笑之國》很迷幻

王嘉明表示，全劇充滿東方和西方的文化衝突和二元對立，他以此為核心思考，舞台上劃分為兩個區塊，一邊是帶有西方元素的黑色酒吧，另一邊是帶有東方禪意的白色修行道場。王嘉明說，酒吧裡閃爍著霓虹燈和嘈雜音樂，呈現放縱和頹廢的迷幻狀態；而修行道場寧靜、祥和的氛圍，充滿禪意，但又帶有邪教般的迷幻感。觀眾可透過場景轉換，揣摩理解劇中人的內心世界。

PHOTO CREDIT: 嚎哮排演創意總監蕭東意首戰歌劇，挑戰德語演出太監一角。攝影｜康志豪

古典遇上搖滾 聽覺與視覺雙重饗宴

多次與王嘉明合作、此次為《微笑之國》編曲暨音樂設計的林芳宜表示，王嘉明是非常有創意的導演，有許多獨特點子。因此，她的音樂設計，除了保留原作，也需要在改編和配器上調整，讓音樂能傳達角色的內心狀態，並帶來全新的聆聽體驗。例如：在酒吧的場景，運用吉他、貝斯和鼓，觀眾能聽見歌德搖滾風格的音樂，而在修行道場的場景，又能聽見古箏和嗩吶的聲響。

林芳宜表示，使用古箏和嗩吶兩項傳統樂器考量在於古箏有很大的共鳴空間，可以創造多種音樂效果；而嗩吶則能展現出力拔山河的氣勢。這兩種樂器一起搭配，能豐富音樂表情，也能創造東方意境，「古箏、嗩吶能和西方樂器對話，也能做為現代音樂的嫁接媒介；嗩吶的多變性，能表現各種情感，如千面女郎般，有千軍萬馬效果，也可表達哀愁或滑稽感。」

詠嘆調是歌劇的靈魂，全劇最知名的詠嘆調為第二幕的〈我整顆心都屬於妳〉，林芳宜表示，對此她並未變動詠嘆調，希望保留原有的模樣，讓歌者自在且舒適地演唱，樂團的配器成為歌者聲音的支撐，讓音樂更具支持性和完整性。

聽覺與視覺的魔術師 音樂是歌劇的主體

林芳宜使用的原版譜是手抄譜版本，她表示改編過程像是尋寶一樣，不時會遇到特殊符號和標記，需要仔細翻閱，核對其確切意義。王嘉明也十分看重音樂和劇情之間的互動關係。他表示，「現代觀眾娛樂選擇多，接受很多刺激，但音樂仍是歌劇的主體，舞台的視覺是輔助音樂，如何讓觀眾進入和接收音樂，讓大家覺得很好看、很好聽，是我製作這部作品的核心意義。」

PHOTO CREDIT: 《微笑之國》視覺風格，突破原作品東西方文化的二元界限，呈現白色修行道場等多重空間。攝影｜康志豪

—文章節選自歌劇院時刻2024年11月號(文｜李欣恬 攝影｜詹朝智 照片提供｜臺中國家歌劇院 劇照攝影｜康志豪)

導演王嘉明

國立臺北藝術大學戲劇系助理教授、莎士比亞的妹妹們劇團團長，創作風格融合實驗性與大眾化。作品5度入圍台新藝術獎年度十大。曾擔任高雄世運開幕導演、金馬獎評審及傳藝金曲獎策展人與典禮導演。

作曲家林芳宜

資深表演藝術評論者暨獨立策展人，大聲藝術與捌號會所創始人暨藝術總監。一生以音樂為核心，向外輻射多重領域，推動臺灣當代音樂且持續創作，並由國內外樂團委託創作暨演出。與王嘉明導演合作多年，作品：《親愛的人生》、《達文西的Notebook》。

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